Ecrire de la poesie pour le films de poesie

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Mon principal défi dans l'écriture de la poésie pour The Book of Hours a été de trouver une forme de parole parlée contemplative pouvant être traduite en film de poésie.


ECRIRE DE LA POESIE POUR LES FILMS DE POESIE:

une exploration de l'utilisation de la poésie parlée dans les films de poésie


par Lucy English


The Book of Hours est un projet de film de poésie collaboratif en ligne, qui constitue le volet créatif de mon doctorat en écriture numérique. Je fais quarante-huit films de poésie pour correspondre à quatre moments de la journée différents pour tous les mois de l'année. Cette structure est basée sur les livres d'heures médiévaux, des collections très décorées et magnifiques de prières et de lectures conformes au calendrier chrétien. Mon livre d’heures est profane, mais de nature méditative et vise à créer une atmosphère de réflexion. Tous les films de poésie ont été réalisés en collaboration avec des cinéastes internationaux. (Anglais, 2016)

Pour le volet critique de ma thèse, je trace le développement du projet et le processus collaboratif. J'examine également ce qui a inspiré l'écriture de la poésie pour The Book of Hours . Bien que la poésie existe sous forme de film de poésie, elle existe également sous forme imprimée, un recueil de poésie, qui sera publié par Burning Eye en 2018. Dans cet article, j'ai essayé de décoder ma compréhension de l'écriture de la poésie, à partir de inspirations, à son développement en tant que collection cohérente et à quelles sources je me suis tourné pour me guider.

Mon principal défi dans l'écriture de la poésie pour The Book of Hours a été de trouver une forme de parole parlée contemplative pouvant être traduite en film de poésie.
Mon expérience de la poésie s’exprime à travers la parole, et plus particulièrement à travers la poésie slam, forme de poésie énergique et compétitive créée par Marc Smith à Chicago dans les années quatre-vingt. (Smith, 2011) J'ai commencé à jouer de la poésie en 1996 après avoir remporté le Bristol Poetry Slam, le premier slam de poésie auquel je participe. Le claquement de Bristol à l'époque attirait un public de plus de 200 personnes et constituait une scène animée et déchaînée. Pour se démarquer dans un slam, il fallait être mémorable. La plupart de mes concurrents étaient jeunes, masculins et forts. Le style dominant était la comédie ou le commentaire social. Les considérations des poètes étaient les suivantes: impact sur le public, son de la voix et beaucoup de gestes animés. Je suis seulement entré dans le slam parce que je voulais présenter un type d'expérience différent pour le public. En 1996, j'avais trente-huit ans et j'étais déjà écrivain de fiction. Mon premier diplôme était en littérature anglaise et américaine et en beaux-arts. Je venais de terminer une maîtrise en création littéraire. J'avais déjà participé à plusieurs slams et bien que j'apprécie l'immédiateté et la passion des poètes, je sentais que le ton général était principalement alimenté à la testostérone. Mon intention d'entrer dans le slam en 1996 était légère, je voulais montrer qu'une femme pouvait aussi se lever et faire de la poésie. Je voulais aussi m'amuser un peu. J'ai gagné ce slam et rétrospectivement je peux voir pourquoi. J'ai écrit trois poèmes en pensant au public. Ils étaient agréables à la fois, énergiques et bien conçus. Je n'avais pas besoin de crier ou de gémir parce que je pouvais taquiner et divertir avec des mots. J'avais déjà participé à plusieurs slams et bien que j'apprécie l'immédiateté et la passion des poètes, je sentais que le ton général était principalement alimenté à la testostérone. Mon intention d'entrer dans le slam en 1996 était légère, je voulais montrer qu'une femme pouvait aussi se lever et faire de la poésie. Je voulais aussi m'amuser un peu. J'ai gagné ce slam et rétrospectivement je peux voir pourquoi. J'ai écrit trois poèmes en pensant au public. Ils étaient agréables à la fois, énergiques et bien conçus. Je n'avais pas besoin de crier ou de gémir parce que je pouvais taquiner et divertir avec des mots. J'avais déjà participé à plusieurs slams et bien que j'apprécie l'immédiateté et la passion des poètes, je sentais que le ton général était principalement alimenté à la testostérone. Mon intention d'entrer dans le slam en 1996 était légère, je voulais montrer qu'une femme pouvait aussi se lever et faire de la poésie. Je voulais aussi m'amuser un peu. J'ai gagné ce slam et rétrospectivement je peux voir pourquoi. J'ai écrit trois poèmes en pensant au public. Ils étaient agréables à la fois, énergiques et bien conçus. Je n'avais pas besoin de crier ou de gémir parce que je pouvais taquiner et divertir avec des mots. J'ai écrit trois poèmes en pensant au public. Ils étaient agréables à la fois, énergiques et bien conçus. Je n'avais pas besoin de crier ou de gémir parce que je pouvais taquiner et divertir avec des mots. J'ai écrit trois poèmes en pensant au public. Ils étaient agréables à la fois, énergiques et bien conçus. Je n'avais pas besoin de crier ou de gémir parce que je pouvais taquiner et divertir avec des mots.

Mon entrée dans la parole était un baptême de feu et dans ces premières années de slam, je continuais à me démarquer parce que j'étais différente. À cette époque, beaucoup de gens prenaient la parole (ou la poésie d'exécution comme on l'appelait à l'époque) parce qu'ils exprimaient ce qu'ils ressentaient à propos de quelque chose. Les interprètes de mots parlés venaient d'un vaste éventail de cultures et certains ont émergé de leur expérience de la vie, tels que Lemn Sissay, ou ont été influencés par une comédie, telle que John Cooper Clarke. En 1996, j'étais un parent célibataire au chômage mais j'avais un diplôme en littérature anglaise et j'avais donc la connaissance du canon poétique britannique pour m'inspirer. Bien que j'utilise parfois des appareils de bande dessinée, ma poésie est essentiellement lyrique. Je veux que l'utilisation des mots se démarque. Même dans les poèmes slam, qui commencent par des lignes telles que "Laisse-moi être ta salope",

'… Et vous vous trouvez dans une ruelle qui sent le cidre, la pisse et les fleurs de sureau.' (Anglais, 2014)

Depuis ces beaux jours de slam, la poésie s'est développée dans la scène des mots parlés. Il ne suffit plus maintenant de crier à votre auditoire. La qualité et la subtilité de l'écriture se sont améliorées et des voix plus réfléchies plus silencieuses habitent la scène aux États-Unis et au Royaume-Uni, telles que Buddy Wakefield, Shane Koyczen, Warsan Shire et Holly McNish. La poésie que j'écris aussi n'est plus limitée par le format slam. Je n'ai pas à garder trois minutes, à penser à un impact immédiat, ni à choisir un sujet qui plaira instantanément à mon public. Je suis maintenant impliqué dans la co-écriture de spectacles de théâtre qui peuvent contenir des pièces isolées, mais aussi des poèmes à plusieurs voix. La poésie en flash,qui a fait le tour du Royaume-Uni en 2010-2011, est réflexif et émotionnel et décrit la relation de ma famille et de ma famille avec ma soeur du syndrome de Downs. (Carmichael, 2010) Dans Count Me In, (2014-15), j'ai créé le personnage de Maureen, mon opposé extrême, timide et nécessiteux. C'est un oiseau de maison qui redoute le jour où elle ne s'occupera plus de sa petite-fille.

Mon principal défi dans l'écriture de la poésie pour The Book of Hours a été de trouver une forme de parole parlée contemplative pouvant être traduite en film de poésie. Ma manière habituelle d’écrire de la poésie est de choisir une structure narrative, de développer une histoire au sein du / des poème (s) et d’utiliser un langage lyrique pour améliorer le sens.

J'ai découvert très tôt dans le projet que toute structure narrative devrait être beaucoup plus brève dans un film de poésie, voire abandonnée. Des descriptions détaillées, des explications et des dialogues, fondements d'une grande partie de mes précédentes poèmes parlés, se sont révélés trop longs et compliqués. Un film de poésie n'a pas besoin de tant de mots.
J'ai découvert très tôt dans le projet que toute structure narrative devrait être beaucoup plus brève dans un film de poésie, voire abandonnée. Des descriptions détaillées, des explications et des dialogues, fondements d'une grande partie de mes précédentes poèmes parlés, se sont révélés trop longs et compliqués. Un film de poésie n'a pas besoin de tant de mots. Dans un format de film, les images et le son portent également une signification. C'est le défi que doit relever l'adaptation cinématographique des romans. une grande partie du texte doit être sacrifiée à l'image. Les cinéastes de poésie ont souvent des préférences bien définies quant aux poèmes qu'ils souhaitent utiliser. John Scott, par exemple, a travaillé avec la poésie d'Elizabeth Bishop et a produit un film documentaire sur sa vie en utilisant le format de film de poésie pour illustrer son travail. (Scott, 2011) D'autres réalisateurs de poésie, comme Alastair Cook, adaptent la poésie qui les inspire visuellement. (Cook, 2017) Une approche courante vis-à-vis des poètes parlés consiste à filmer leur travail en lisant ou en exécutant le poème. Les films parlés, comme les vidéoclips, reposent sur la présence physique de l'interprète. Dans le récent NationwideCampagne Voice of the People , le poète est assis ou debout et s’adresse à la caméra. (Nationwide, 2016) Les poèmes, bien que beaucoup plus courts que les paroles habituelles des artistes, ont été personnels et confessionnels. J'ai senti qu'une telle approche était limitante. Le Livre des heures n'est pas un projet confessionnel, il ne s'agit pas de «moi», il est conçu pour véhiculer une ambiance ou une atmosphère. J'avais besoin d'enquêter sur les livres d'heures originaux, de découvrir ce qu'ils proposaient à leurs lecteurs et comment je pouvais traduire cela dans l'écriture de la poésie.

Un livre d'heures médiéval était un recueil de lectures religieuses et d'images d'accompagnement. (Fay-Sallois, 2005) Au XIVe siècle, ces œuvres étaient devenues des œuvres d'art très décoratives et beaucoup d'entre elles étaient produites par des artisans pour des clients fortunés. Le livre a commencé avec un calendrier illustré par des images d’activités liées à chaque mois, telles que les semailles, les récoltes et les repas. Les textes suivants ont été divisés en sections reprenant les activités religieuses de la vie monastique. L'une de ces sections était les «Heures», une série de prières et de lectures couvrant une journée et une nuit complètes et changeant avec la saison religieuse. Les «Heures» constituaient donc un modèle pour la vie religieuse, la spiritualité, la réflexion et le lien avec Dieu.

Le livre d'heures avait pour but de faire en sorte que les laïcs suivent cette structure religieuse. À notre époque laïque, nous pouvons sous-estimer l'importance du calendrier chrétien à l'époque médiévale. Le calendrier chrétien représentait une structure inébranlable dans un monde incertain et la progression de Noël à Pâques jusqu'à l'Ascension serait ancrée dans l'esprit et les habitudes de tous. La vie monastique était perçue comme la quintessence du comportement et une connexion directe avec Dieu était souhaitable. Pour une personne ordinaire, avoir accès à la vie religieuse, sous forme de livre, était également hautement souhaitable. Il était courant, dans l’art médiéval et dans les pages des livres d’heures, que les clients soient représentés dans des scènes religieuses, comme assister à la naissance du Christ ou adorer aux pieds de la Vierge, se plaçant ainsi directement saint récit.

Un livre d'heures était le manuel du profane sur la dévotion chrétienne. Ils ont été créés dans une taille portable afin de pouvoir être portés par le propriétaire et utilisés quotidiennement.

Dans Les Heures de Morville , un remaniement contemporain d'un livre d'heures, Katherine Swift a reconnu le caractère souhaitable et étendu des textes médiévaux.

«Ils sont à la fois les livres médiévaux les plus visibles et les plus intimes, très largement diffusés et pourtant utilisés de manière extrêmement privée par des individus, souvent des femmes, dans l'intimité de leurs propres appartements» (Swift, 2008, p. Viii). les appelle aussi 'les' best-sellers 'de leur époque'

Un livre d'heures peut également être considéré comme un texte interactif, car ces livres n'étaient pas destinés à être lus de manière chronologique. Le lecteur a choisi les lectures à consulter en fonction de l'heure du jour, de la saison et de l'humeur spirituelle. L’exemple le plus connu de livre d’heures créé pour un riche client est celui des Tres Riches Heures commandées par le duc de Berry entre 1412 et 1416 et illustrées par les frères Limbourg. Cela se tient actuellement au Musée Condé à Chantilly, en France. (Limbourg, sd) Le duc de Berry était un collectionneur passionné de livres et sa bibliothèque contenait plus d'une quinzaine de livres d'heures. Les Tres Riches Heuresest un exemple suprême. Les pages enluminées sont superbement illustrées; ils représentent un calendrier du mois, les signes du zodiaque et des scènes de la vie, selon les saisons.

Ma compréhension des livres d'heures médiévaux et ce que j’ai le sentiment de pouvoir traduire dans mon projet sont les suivants: Le texte (et dans mon cas, les films) serait un point de départ pour la réflexion. Cette réflexion ne serait pas religieuse, mais contemplative, offrant des réponses à la vie et aux situations modernes. Il serait présenté sous forme de calendrier, suivant les mois de l'année, les heures de la journée et les saisons. Il contiendrait une structure linéaire (une année civile) mais le lecteur / spectateur pourrait choisir quand et où il aurait eu accès aux films. Mon but final était de reproduire d'une manière ou d'une autre le quotidien des livres d'heures médiévaux et de représenter les «illustrations dans les marges», les observations détaillées de la vie quotidienne.

Il me fallait maintenant trouver d'autres auteurs qui avaient tenté de créer une version moderne du livre d'heures. Le premier poète sur lequel j'ai enquêté était Rilke. Son livre d'heures , Das Studenbuch , a été écrit en allemand en trois parties, entre 1899 et 1903. Il s'agit d'un texte à la fois philosophique et religieux, car Rilke n'était pas un chrétien orthodoxe et le Dieu auquel il s'adresse est un humain face à Dieu. plutôt qu'une entité distante. Sa manière de s'adresser à Dieu s'apparente à Manley Hopkins, elle est personnelle et directe. Rilke cherche des réponses, un sens à la vie, mais il est également en conflit sur ce qu'il considère comme le lien viscéral entre l'homme et la divinité.

«Éteins mes yeux, et je peux te voir encore;
je claque les oreilles et je vous entends encore;
et sans aucun pied peut aller à vous;
et sans langue, je peux vous conjurer à volonté. (Rainer Maria Rilke, 1941, p. 37)

Rilke ne conteste pas que Dieu existe mais que Dieu a besoin de l'humanité pour exister. Le lien entre l'homme et Dieu est inévitable.

'Que feras-tu, mon Dieu, quand je mourrai?… Tu perds ton sens, tu me perds.' (Rainer Maria Rilke, 1941, p. 33)

La recherche passionnée de Rilke n’est pas une recherche que je partage mais j’ai bien apprécié son langage simple et direct, son utilisation pour s’adresser à une personne invisible en combinaison avec son utilisation d’énoncés dans la poésie. «Et vous êtes comme une pierre qui l'attire chaque jour plus bas.

J'étais particulièrement intéressé par son utilisation de questions, parfois rhétoriques ou parfois comme un moyen de départ pour un dialogue ultérieur. 'Que vas-tu faire, mon Dieu quand je meurs? Quand je suis ton pichet cassé? J'utilise beaucoup de questions dans ma propre poésie: 'Wild girl, où es-tu maintenant?' 'Savaient-ils qu'ils mouraient?' 'Trouverez-vous un sommet de montagne avec un palais d'argent?' (Anglais, 2016) Les poèmes les plus éclairés par ma lecture de Rilke sont «Drive Through the Night» et «Now is the Time». Le premier s'adresse à mon frère mourant alors qu'il envisage une mort sans aucune croyance dans la vie après la mort et le second illustre la manière dont un souvenir peut lier un événement à un autre, mais le sentiment général est toujours celui de la solitude. «Je jette du pain aux canards mais ils ne viennent pas. (Anglais, 2016)

Ce que je n'ai pas trouvé dans la poésie de Rilke, c'est la richesse de la description et une spécificité de lieu. Ses champs, ses nuages ​​et ses mers sont généralisés plutôt que particuliers. Une grande partie de la poésie pour le livre d'heuresa été écrit à divers endroits dans les marches galloises. C'était involontaire. Je voulais partir et écrire et j'ai réservé un chalet à deux heures de route de chez moi. Cependant, le paysage environnant, l’éloignement apparent de l’emplacement, la luxuriance des haies et un sens imprégné de l’histoire se sont glissés dans la poésie et lors de pauses d’écriture subséquentes, j’ai choisi d’être près ou dans la Golden Valley dans le Herefordshire, le Radnorshire ou sur les pentes de la montagne de pain de sucre. Je ne vis pas ici, mais j'ai l'impression que cette contrée est mon cœur spirituel. Pour transmettre ce sentiment de connexion, je me suis tourné vers la prose d'écrivains de la nature.

Il y a eu récemment une recrudescence d'écrits sur la campagne britannique, non pas comme une histoire ou un guide de référence, mais plutôt comme une expérience semblable à celle de Richard Jefferies; le lien émotionnel à placer. Le plus connu d'entre eux est Robert MacFarlane, qui semble avoir marché dans tous les coins reculés du Royaume-Uni et réfléchir à son expérience. (Emmanuel College, 2007) Ce type d'écriture contient des observations détaillées et approfondies sur la faune et la flore, des descriptions des conditions météorologiques et de nombreuses réflexions historiques et biographiques. D'autres types d'écrivains ont contribué à cette œuvre, tels que la poète Kathleen Jamie qui écrit sur la côte écossaise et Anna Pavord, la jardinière. Katherine Swift écrit dans cette veine dont Les heures de Morville, est l’histoire de la création d’un jardin. (Swift, 2008)

Swift reconnaît l'influence des premiers livres d'heures sur ses projets initiaux pour son jardin ainsi que dans la structure de son compte. Les chapitres sont divisés en sections avec les noms des «heures» d'origine; Veillées, Laudes, Premier, Terce, Sext, Aucun, Vêpres et Complies et chaque chapitre représente les saisons changeantes. Son travail précédent en tant que conservatrice des premiers manuscrits au Trinity College de Dublin lui avait donné une connaissance intime de ces manuscrits et elle, comme moi, est fascinée par les détails.

«Dans le monde des livres d'heures, de minuscules figures emblématiques creusent, taillent, tranchent, coupent du bois, tondent de l'herbe, récoltent des céréales, foulent des raisins, chacune dans le mois qui leur est imparti. (Swift, 2008, p. 9)

Elle pleure la perte du calendrier agricole et religieux dans la vie moderne.

«Dans un monde de lumière électrique et de chauffage central, où un mois ressemble beaucoup à un autre et où les légumes volent du Kenya…» (Swift, 2008, p. 9)

Non seulement nous sommes séparés du lien avec les saisons, mais nous avons également perdu notre lien avec la «grande histoire» du calendrier chrétien, l’histoire de la naissance, de la croissance, de la mort et de la renaissance. Les Heures de Morville tentent de ramener notre attention sur l’émerveillement et la beauté d’un monde en pleine croissance tel qu’il est perçu par les yeux d’un jardinier passionné. Au cœur du récit se trouvent la construction de son jardin et son progrès émotionnel au fur et à mesure de son développement, mais le livre contient une histoire des occupants de Morville Hall, des réflexions sur notre attitude changeante à l'égard de la nature et de la société et l'histoire de sa relation. avec sa famille. C'est aussi une contemplation sur la nature du temps. Elle réalise que les jardins n'existent que parce que quelqu'un les aménage et que son temps sur terre est limité.

«En vieillissant, les roses sauvages s’appliquent à l’extérieur des haies d’ifs; l'herbe longue me chuchote. Un jardin est un processus, pas un produit. ' (Swift, 2008, p. 332)

Elle se connecte à son lecteur en plaçant sa description de son jardin au présent, même si nous apprenons qu’elle a commencé à travailler dessus en 1988. Nous sommes fascinés par son émerveillement, car elle s’adresse directement à nous.

'Ne cligne pas des yeux. Sous le mur, les iris barbus sont en fleurs, les plus hauts pétales si larges, si délicats, que chaque floraison, une fois ouverte, ne dure pas plus d'une journée. Regardez, vous pouvez presque voir à travers eux. (Swift, 2008, p. 168)

C'est une stratégie intelligente et c'est probablement l'une des raisons pour lesquelles tant de gens, y compris moi-même, aiment ce livre. Sa prose est enivrante et son utilisation de descriptions détaillées et son intemporalité créent en effet pour moi une réponse similaire à la lecture d'un manuscrit enluminé.

Je suis un lecteur critique cependant, et bien que j'apprécie la façon dont elle écrit à propos de l'iris, des roses ou de la lavande, je suis consciente que son récit a disparu d'une grande partie de sa vie. Elle n'écrit pas sur les difficultés de se rendre au supermarché en janvier ou d'essayer de gagner sa vie à la campagne. Nous apprenons seulement en quelques phrases qu'elle a travaillé pour le National Trust et David Austin Roses, qu'elle est tombée malade avec ME, qu'elle est peut-être bi polaire et est certainement obsessive.

«Il (mon mari) a compris et continue de comprendre pourquoi je ne peux supporter d'entrer longtemps après la tombée de la nuit, pourquoi je dépense tout mon argent puis que j'emprunte davantage, pourquoi je suis toujours épuisé, toujours en retard pour tout, je ne veux jamais aller en vacances'. (Swift, 2008, p. 332)

Dans mon livre d'heures, je souhaite mettre davantage en lumière les domaines complexes de l'expérience humaine. Je suis conscient que ma relation avec le monde naturel n'est pas simple. J'aime être dans une maison en pierre et écrire sur le paysage, mais je vis dans une ville. Je suis beaucoup trop habitué au piégeage de la vie urbaine, des cafés, de l'Internet rapide, du cercle d'amis, pour les abandonner et vivre dans un endroit isolé. Je peux reconnaître des fleurs sauvages et des oiseaux, mais je n’ai pas les connaissances approfondies d’un écrivain spécialisé dans la nature, tel Stephen Moss.

«De chaque côté du sentier, j'entends le chant résonnant de huit espèces différentes de fauvettes. Les foulards en mousseline appellent constamment leur nom,… le fauvette saule chante ses réponses argentées en guise de réponse, Blackcaps et duo de fauvettes du jardin dans le fauve, tandis que Whitethroats se lancent dans les airs… '(Moss, 2017, p. 265)

Huit espèces de fauvettes! Je ne suis pas sûr de pouvoir en identifier deux! Quand je suis à la campagne, je sais à quel point je suis bête. Je veux explorer la tension entre apprécier le paysage sans savoir comment l’interpréter. Dans des poèmes tels que «Aubade», «À l'abri de la pluie dans une église de campagne» et de «Can't Sleep» (anglais, 2016), le narrateur est déplacé, disloqué et seul. Il y a des citadins qui trouvent la campagne britannique inexplicable. Les cottages sont sombres et sombres et froids. Une journée de pluie peut rendre la marche impossible et davantage de pluie peut interrompre la conduite. Les routes sont bloquées par les arbres tombés, le bétail égaré et les boues de boue. Et le wifi est lent. Notre campagne n'est pas bénigne. Si vous vous perdez dans le brouillard de la digue d’Offa, vous risquez de tomber ou de vous exposer. En 2008-11, neuf personnes sont mortes dans la campagne britannique après avoir été piétinées par le bétail. (BBC, 2011) Il y a aussi ceux qui se noient. Dans des poèmes tels que 'May Queen', 'Le jardin de ma mère', 'Daisy Chain' et 'Le temps et la rivière', je fais allusion à un malaise sous-jacent d'être dans un paysage et à un sentiment que la scène pastorale décrite est fugace, ou quelque chose du genre. Je me suis mal souvenu, ou contient les émotions refoulées des relations fracturées.

«Comme ce jour-là, nous avons emprunté le chemin de la Severn, de la boue jusqu'aux chevilles.
Je peux sentir l'eau maintenant. Poisson comme une vieille algue, qui s’égoutte dans la brume
et vous me dites qu’il n’ya pas de fleuve du temps ». (Anglais, 2016)

Beaucoup de téléspectateurs du Livre des heures seront des citadins car il y a plus de gens qui vivent dans des villes que dans des villes et beaucoup de téléspectateurs ne seront pas du tout britanniques. Les personnes qui visitent le Royaume-Uni s'attendent souvent à trouver quelque chose comme un roman de Jane Austen, avec un paysage pastoral de jolis villages, d'églises anciennes et de grandes maisons. C'est une erreur courante pour les visiteurs de regarder une carte du Royaume-Uni et de penser qu'on peut visiter Londres, Bath, Édimbourg, Cambridge et Oxford en deux jours, car ils semblent si proches l'un de l'autre en termes de distance. Je veux explorer quelque chose de la réalité de la Grande-Bretagne moderne. Dans 'Hipster Central', 'Ne rien faire', 'Qu'est-ce que l'amour?' et 'From This Train', les lieux sont urbains et même si les lieux sont des cafés, des chambres et des trains reconnaissables, ils peuvent toujours être des lieux de réflexion.

«De ce train, les maisons
deviennent des champs creusés
et déchiquetées, devenant de plus en plus de maisons.
Je crains le nucléaire.
Un paysage en béton et des arbres enterrés.
Le président coupe le ruban rose ». (Anglais, 2016)

Ce que j’ai appris de ma lecture de The Morville Hours, c’est comment amener mes lecteurs dans l’écriture et créer un sens de la contemplation en utilisant des descriptions spécifiques, la parole directe et le temps présent.

«La pluie s'est arrêtée. J'aime la sensation de silence vide. J'ai trop souvent choisi ceci au lieu de compagnie. Je me demande combien j'ai manqué?
Je sors et les chardonnerets dorés parcourent un pré
de fleurs sauvages composé de campanules bleues et de centaurée violette. (Anglais, 2016)

La poésie sur le paysage a une longue histoire au Royaume-Uni et de nombreux poètes classiques et modernes se sont tournés vers leur localité immédiate pour s’inspirer. Wordsworth et Coleridge ont écrit sur Somerset et The Lake District, les «collines bleues à mémoire de Housman» sont situées dans le Shropshire, et Edward Thomas, Ted Hughes, RS Thomas et Philip Larkin ont essayé de trouver une manière moderne d’interpréter le paysage plutôt que d’utiliser le généralisé et pastoral. Les impressionnantes «Dart» et «Sleepwalk on the Severn» d'Alice Oswald sont des collections plus récentes qui explorent l'interaction de l'homme avec le paysage. Paul Farley écrit sur le passé récent comme s'il s'agissait d'un pays étranger et attire notre attention sur des choses ordinaires telles que les tunnels ferroviaires, les arrêts de bus et les gares.

J'ai revisité ces poètes dans mes recherches pour ce projet et j'ai noté comment Edward Thomas laissait ses poèmes sur une note mélancolique, comment Ted Hughes se tournait vers les Anglo-Saxons pour avoir un impact et n'avait pas peur de s'attaquer au sang et aux entrailles de la campagne. Comment RS Thomas écrit avec soin sur les personnages ruraux et comment Philip Larkin nous rappelle l’interruption constante du monde moderne. Mon "Abris de la pluie dans une église de campagne" est une réponse créative sans honte à son poème "Church Going". Alice Oswald nous donne la multiplicité des voix, historiques et imaginaires, contenues dans le paysage, et son œil attentif se penche sur les détails des plantes et des arbres. Paul Farley écrit sans sentimentalité à propos du passé et utilise l'humour pour nous attirer dans ses poèmes. Parmi les autres poètes que j'ai lus pour la recherche, citons Basil Bunting, Michael Horovitz,

Ecrire sur le paysage est aussi le lieu d'une approche expérimentale. Des poètes tels que Basil Bunting ont utilisé des mots de dialecte et des mots de vocabulaires plus anciens, tels que le norrois, pour décrire les subtilités de la campagne. Harriet Tarlo, dans son introduction au Land Aslant , dit

«La langue est la forme sous laquelle le paysage peut prendre vie» (Tarlo, 2011, p. 10)

Elle fait partie d'un groupe de poètes contemporains qui produisent ce qu'elle appelle «la poésie radicale du paysage» et, bien que les poètes de son anthologie révisée écrivent sur différents endroits, elle les voit comme ayant des objectifs similaires.

"Il est reconnu que ce processus de changement et d'adaptation se produit dans un monde dans lequel des éléments naturels et culturels, sauvages et urbains ou industriels existent dans tous les endroits où nous existons." (Tarlo, 2011, p. 12)

Je me sens certainement proche de cette déclaration. Je suis conscient que mes pièges urbains viennent avec moi partout où je vais. Je ne peux pas échapper à mon besoin de trouver de l'essence ou les sons des avions transatlantiques dans le ciel au-dessus de moi. (Anglais, 2016)

Les poètes de l' anthologie The Land Aslant écrivent à propos de l'expérience d'être dans un paysage, marchant souvent dans celui-ci, en observant ce qu'ils voient et ressentent, et pouvant se lire comme des notes de terrain, intenses, fragmentées et à bout de souffle. Les poètes qui m'ont le plus attiré dans cette collection sont Zoe Sloulding, Helen Macdonald, Harriet Tarlo et Carol Watts, qui écrit sur le centre du Pays de Galles. Ce sont aussi des femmes. Comment les femmes peuvent-elles écrire sur le paysage sans dériver dans un récit païen / déesse / ancienne religion? Un moyen consiste à observer de près. Voici les premières lignes de "Dans la forêt où ils sont tombés" de Zoe Skoulding

«Tout est là à la fois, le vert soulagé
par des stries et des veines de teintes plus claires et de noir.
Baies glacées violacées . Le temps tourne au vinaigre / pousse dans sa tombe: '(Tarlo, 2011, p. 130)

J'aime bien qu'elle ne nous dise pas ce que sont les baies (souvenez-vous de ces huit types de fauvettes?), Peut-être qu'elle ne le sait pas. Nous vivons la scène comme elle la vit.

Ces poètes étendent également le langage et la forme. Le cycle de poésie 'Zeta Landscape' de Carol Watt a peu de ponctuation et utilise des espaces dans les phrases pour suggérer une pause pour la respiration. Zoe Skoulding dans sa séquence "Through Arbres" utilise une forme linéaire mince pour suggérer la forme de l'arbre lui-même et les espaces qui les séparent. Harriet Tarlo place des mots et des phrases sur toute la page pour suggérer la façon dont l'œil parcourt une scène et où notre attention se pose. Helen Macdonald utilise des mots dialectaux et archaïques pour donner un vocabulaire à des actions et à des choses qui ne sont pas modernes, "spreketh", "seiche", "tombées".

Cette approche m'a certainement encouragée à être plus expérimentale et à jouer davantage avec la forme et le langage. Dans 'Can't Sleep', j'ai cassé les phrases pour reproduire le train de pensées et l'interaction avec l'environnement immédiat.

«Les choses sans yeux vivent dans des cavernes. Ne pense pas à eux.
Pas de bouche. Ne pense pas à eux. Ou des araignées. Est-ce qu'on vient de ramper
sur mon visage? Noir gluant dans une boîte de mélasse. N'a
même pas bon goût. Collant et brûlé "(Anglais, 2016)

Tous les héritiers de Basil Bunting sont forcément concernés par le son des mots. Le banderole compose des mots, utilise des mots oubliés, crée des mots pour exprimer son lien affectif avec le paysage. Au Royaume-Uni, quelques poètes parlés utilisent cette approche expérimentale de la langue et Hannah Silva est la plus connue (Silva, 2013). Ses performances s'appuient sur le contrôle de sa voix et sur ses mouvements pour transmettre un message. Sa performance de 2015, Schlock, utilise la langue des signes britannique et elle remarque dans son blog qu'elle a dû se concentrer sur son corps pour cette émission.

«Là où ma langue parlée peut ignorer des détails de caractère, de lieu et d’attitude, cela fait partie intégrante de la langue des signes. La matérialité du corps et du visage a pris le rôle qui, dans mon travail, est généralement joué par la matérialité de la voix »(Silva, 2015).

Je suis conscient que mon spectateur l' expérience de la poésie dans le livre d'heures à travers le son plutôt que par des gestes ou des mouvements du corps. On m'a dit que je lisais bien mon travail. J'utilise des pauses, l'accentuation de certains mots et je peux exprimer l'émotion dans le poème. Les poèmes dans The Ground Aslantd’être lu et relu mais même quand j’en ai lu certains à voix haute, j’ai senti que je n’étais pas plus près de les comprendre. Je ne veux pas rebuter mes téléspectateurs en étant obscur. Mes téléspectateurs ne sont peut-être pas des lecteurs assidus de la poésie, ne savent rien de la poésie ou ils peuvent penser que «la poésie n'est pas pour eux». Dans ma pratique de la parole, je connais ce type de public et je peux le gagner. Après un spectacle, beaucoup de gens me disent: «En général, je n'aime pas la poésie, mais j'aime la tienne». Je n'ai pas honte d'être accessible ni même populiste. J'ai donc pris la décision de ne pas suivre complètement la voie expérimentale du Livre des heures . Je peux taquiner mon public avec des jeux de mots et de sons, mais je veux qu’ils trouvent dans chaque poème quelque chose qu’ils puissent comprendre et que je veuille le revisiter.

Je peux taquiner mon public avec des jeux de mots et de sons, mais je veux qu’ils trouvent dans chaque poème quelque chose qu’ils puissent comprendre et que je veuille le revisiter.
C'est une bonne question pour moi de demander: «Qui est mon public? L’audience des mots parlés est plus large (en nombre), plus diversifiée et peut-être moins consciente poétiquement que l’audience des poètes paysagistes radicaux. Quand j'ai commencé à jouer de la poésie au milieu des années 90, l'essentiel de l'œuvre a été rejeté par les gardiens du poète de la page comme étant sans importance. La poésie de performance et la poésie de slam étaient perçues comme la petite soeur bruyante et débraillée du grand frère de la «poésie appropriée». Il a été considéré comme naïf, non structuré, trop émotif et désordonné. La poésie parlée n'a pas été imprimée car aucune maison d'édition ne l'a imprimée. La réaction à cela de la part de la communauté des créateurs oraux était de dire «Et alors? et la scène développa ses propres héros et champions qui ne figuraient pas sur les listes de Carcanet, Faber et Bloodaxe. Certains joueurs clés de ces débuts, tels que Francesca Beard, ont reçu des éloges et des récompenses mais ne sont toujours pas imprimés. (Beard, 2012) Ce manque d'imprimés a amené les poètes à parler à être plus créatifs dans la manière dont ils ont distribué leur travail. La performance en direct était la pierre angulaire de ce type de poésie, mais les poètes parlés se sont enregistrés et ont vendu des CD, se sont filmés et ont mis les clips sur Youtube et sur leurs sites Web. Leur travail pouvait désormais être consulté en dehors du spectacle en direct et par quiconque souhaitait y accéder. On pourrait soutenir que l’intérêt actuel pour la parole est uniquement dû au partage sur Youtube. Les «stars» actuelles de la scène parlée, telles que Kate Tempest, Hollie McNish, Buddy Wakefield et Shane Koyczen, n’ont pas inventé ce phénomène, mais elles en ont bénéficié. La situation actuelle est plus complexe. Les éditeurs indépendants publient maintenant des poètes parlés, à commencer par Burning Eye en 2012. (Birnie, 2012) Les personnes qui avaient été témoins de la poésie parlée avaient soif de faim, soit en direct, soit sous forme de clip Youtube pour le lire. La disponibilité de la poésie parlée sous forme imprimée a changé la donne, certainement au Royaume-Uni. En Amérique, les poètes slam avaient tous une "marchandise" qu'ils vendaient lors de concerts, y compris des textes auto-publiés des poèmes. Ils avaient fabriqué de manière professionnelle des CD, des cahiers et du matériel de film. Au Royaume-Uni, c'était plus difficile et il semble que nous ne soyons pas aussi doués pour nous «vendre nous-mêmes» que nos cousins ​​américains. 2012) Les personnes qui avaient assisté à la poésie de créations orales avaient soif de faim, soit en direct, soit sous forme de clip Youtube pour le lire. La disponibilité de la poésie parlée sous forme imprimée a changé la donne, certainement au Royaume-Uni. En Amérique, les poètes slam avaient tous une "marchandise" qu'ils vendaient lors de concerts, y compris des textes auto-publiés des poèmes. Ils avaient fait de manière professionnelle des cd, des cahiers et du matériel de film. Au Royaume-Uni, c'était plus difficile et il semble que nous ne soyons pas aussi doués pour nous «vendre nous-mêmes» que nos cousins ​​américains. 2012) Les personnes qui avaient assisté à la poésie de créations orales avaient soif de faim, soit en direct, soit sous forme de clip Youtube pour le lire. La disponibilité de la poésie parlée sous forme imprimée a changé la donne, certainement au Royaume-Uni. En Amérique, les poètes slam avaient tous une "marchandise" qu'ils vendaient lors de concerts, y compris des textes auto-publiés des poèmes. Ils avaient fait de manière professionnelle des cd, des cahiers et du matériel de film. Au Royaume-Uni, c'était plus difficile et il semble que nous ne soyons pas aussi doués pour nous vendre que nos cousins ​​américains. Ils avaient fait de manière professionnelle des cd, des cahiers et du matériel de film. Au Royaume-Uni, c'était plus difficile et il semble que nous ne soyons pas aussi doués pour nous vendre que nos cousins ​​américains. Ils avaient fait de manière professionnelle des cd, des cahiers et du matériel de film. Au Royaume-Uni, c'était plus difficile et il semble que nous ne soyons pas aussi doués pour nous vendre que nos cousins ​​américains.

Lorsque les mots parlés apparaissaient sous forme imprimée, la qualité de l'écriture et du métier était rendue plus visible. Une performance en direct peut sembler naïve, le poète parle et nous écoutons, nous nous impliquons dans la performance et nous ne remarquons pas comment le poète a utilisé la répétition, l'allitération, la métaphore ou beaucoup de moyens que nous attribuons à une excellente poésie. Je pourrais comparer cela à un spectacle d'humour. Nous rions et répondions à l'interprète sans reconnaître que la performance est conçue, elle n'est pas «spontanée» bien qu'elle puisse inclure l'improvisation. Dans la presse écrite, le «dénuement» de la poésie parlée peut être contesté. Il est évident que le poète a utilisé des mots de manière délibérée et inventée, même s’ils n’ont pas de formation poétique traditionnelle. La communauté des poésies de pages ne peut désormais pas rejeter les mots parlés comme "parlant simplement" ou "non édités", la compétence de l'écrivain est maintenant visible sur la page. J'espère que les deux versions deLe Livre d'heures améliorera l'expérience de son public. Ils peuvent voir les films, écouter les poèmes et s’ils veulent lire le texte, ils peuvent le faire sous forme imprimée.

Il n’ya pas d’espace pour examiner en quoi cette nouvelle accessibilité de la parole parlée change la scène de la poésie britannique, mais le travail de Kate Tempest est maintenant discuté à la radio BBC quatre et dans des journaux tels que The Guardian et The Telegraph. les poètes ont été sélectionnés pour le prix Ted Hughes 2017, qui privilégie «l'excellence» en poésie et les contributions «exceptionnelles» à la «vie culturelle»; Salena Godden, Jay Barnard et Hollie McNish. (Society, 2009) La gagnante de 2017 était Hollie McNish. Alice Osward, Lavinia Greenlaw et Andrew Motion ont déjà remporté ce prix. La poésie parlée est donc devenue une véritable petite soeur en désordre.

Les poètes parlés peuvent maintenant développer leur art et voir les possibilités plus larges de combiner des mots avec une image en mouvement. Les poètes parlés, en raison de leur statut antérieur, ont toujours été des innovateurs. Ils ont défendu la qualité des lectures en direct et le public se plaint maintenant de l’absence de poètes de pages «célèbres» pour s’engager avec eux lors d’événements en direct. Les poètes qui parlent ne savent pas que vous devez regarder dans les yeux, laisser des pauses et ne pas vous cacher derrière un livre. Les poètes parlés ont appris à adapter leur travail à l’imprimerie, à remettre en question leur utilisation du langage et à déterminer la mise en page de la page qui leur convient le mieux, ce qui a été un énorme apprentissage, aidé par des éditeurs tels que Clive Bernie et Todd Swift. Les poètes parlés ont également été les premiers à utiliser des extraits de films. Ce que j'espère faire avec le livre d'heuresest de montrer comment la poésie parlée peut s’adapter et s’épanouir sous forme de film de poésie. Un 'film' peut être plus qu'un enregistrement visuel de moi exécutant un poème, tout comme une 'lecture' est plus que de lire des mots d'un livre.

J'espère que le Livre des heures montre comment la poésie parlée peut s'adapter et s'épanouir sous forme de film de poésie. Un 'film' peut être plus qu'un enregistrement visuel de moi exécutant un poème, tout comme une 'lecture' est plus que de lire des mots d'un livre.
Dans la poésie du Livre des heures, j'ai essayé de garder l’immédiateté de la voix comme élément central. Dans la plupart des poèmes, je suis l'orateur. J'ai utilisé toutes mes compétences d'interprète pour faire ressortir le sens et la qualité émotionnelle des mots. Je veux que mon spectateur "entende" l'émotion derrière le poème. Je ne suis peut-être pas la personne du poème, mais j'ai essayé d'habiter leur personnalité et leur situation. J'espère que mon spectateur peut entendre la tristesse de la mère dont la fille adulte n'est pas restée assez longtemps dans 'River Girl'

«Quand elle est partie, je lave les assiettes. Faire la lessive.
Sa robe est par terre. Froissé dans un coin.
Un muguet sur les marches ouvre un escargot. ”(Anglais, 2016)

Ou le désespoir d'une autre mère qui attend que les bombes s'arrêtent, dans "Les derniers jours".

«Va dormir petit garçon. Ne grandis pas
et n'apprends pas à haïr. »(Anglais, 2016)

Au fur et à mesure que la collection s'est développée, le langage de la poésie est devenu plus simple. Dans les premiers poèmes tels que "Weird Weather" et "Aubade", j'ai utilisé des descriptions détaillées, qui ont été raisonnablement abandonnées par les cinéastes. À Aubade, par exemple, les poèmes nous disent

«J'étais encore à moitié endormi et je rêvais
d'aller acheter des chaussures chez Hay on Wye,
ce qui était en fait le souvenir d'
une paire de chaussures que j'ai achetées impulsivement mais que je
ne portais pas parce qu'elles étaient trop exquises.
Avec des fleurs en cuir rose et des semelles compensées. ”(Anglais, 2016)

Matt Mullins, le cinéaste pour cela, n'a révélé aucun de ces détails. Son film montre une main de femme caressant un lit. Cela nous en dit plus sur le sentiment d'isolement de la femme que sur ses pensées encombrées. J'ai appris à me retenir. Dans 'Quiet Sounds', les descriptions sont minimes.

«L'horloge de cuisine marque le clic net de l'heure.
J'éternue trois fois. Une lettre?
Quatre. Quelque chose de mieux? Une vache se plaint.
Un corbeau recule.

La cinéaste de renom, Marie Craven (Craven, 2017) a créé le visuel de celui-ci. En utilisant des images de Creative Commons, elle a construit le monde du narrateur. Son film nous montre l'intérieur d'un cottage et un aperçu du paysage au-delà. Le film est tactile et sensuel, on sent presque le bouquet de lilas dans le vase. Elle admet qu'il s'agissait d'une décision audacieuse d'illustrer les sons mentionnés dans le poème, étant donné que de nombreuses créations de films de poésie actuels offrent une couche supplémentaire d'interprétation du poème plutôt que de nous donner des images ou des sons aux mots. Sa description de son processus sur son blog montre le soin et l’attention que les cinéastes de la poésie consacrent à la recherche de la bonne approche. Sa bande-son finale est aussi détaillée qu'une partition.

«L'élément central est le son métronomique d'un tic-tac d'horloge. J'ai monté la voix de Lucy au rythme de l'horloge, allongeant le rythme de sa lecture et laissant un espace aux différents sons pour donner leur moment «solo»: un faisan et un pigeon ramier, un mouton, une vache, un vieux frigo, trafic aérien. J'ai soigneusement construit la bande son morceau par morceau jusqu'à ce que je dispose d'un premier brouillon complet. »(2017)

La simplicité apparente du film final contredit nos nombreuses conversations sur la force du bruit de la vache ou du bruit des corbeaux. Je ne voulais pas que ces bruits dominent, je voulais qu'ils suggèrent la "bande son" de fond de la vie, que nous n'entendons que dans les moments calmes.

Je ne pense pas avoir trouvé de «formule» pour écrire un poème pour un film de poésie… Les mots ne sont qu'un élément d'un film de poésie. Comment ils sont parlés ou lus, et dans quel ordre et quelle vitesse, avec quelle inflexion ou quelle accentuation, et comment ceux-ci se rapportent ou non aux images, et quel rôle le son joue-t-il dans notre expérience finale.
Je sens que j'apprends encore. Je ne pense pas avoir trouvé de «formule» pour écrire un poème pour un film de poésie, et je ne le veux pas. Chaque nouveau film de poésie est un nouveau défi, une nouvelle conversation avec un nouveau cinéaste et même si j'ai déjà travaillé avec ce cinéaste avant le début de chaque nouveau film. J'ai appris à me retenir et à laisser au poème un espace pour que les images et les sons apparaissent et pour que le film ne soit pas évincé par les mots. Les mots ne sont qu'un élément d'un film de poésie. Comment ils sont parlés ou lus, et dans quel ordre et quelle vitesse, avec quelle inflexion ou quelle accentuation, et comment ceux-ci se rapportent ou non aux images, et quel rôle le son joue-t-il dans notre expérience finale. Quand cela fonctionne, je ne peux le décrire que comme un mélange magique, comme l'alchimie.

Lucy English est une romancière et une poète parlée. Elle a publié trois romans chez Fourth Estate et son premier recueil de poésie a été publié par Burning Eye en 2014. Elle est lectrice en création littéraire à l'Université Bath Spa où elle enseigne la poésie et la fiction. En tant que poète, Lucy a effectué de nombreuses tournées au British Council au Royaume-Uni, aux États-Unis et en Asie du Sud-Est. The Book of Hours est un recueil de poésies de films réalisé pour son doctorat en écriture numérique.

Bibliographie

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