En suma, Fuera del cuadro traza distintas conexiones y puntos de encuentro entre diversas manifestaciones artistico-culturales, con el fin de mostrar una realidad abarcadora y una concepcion poliedrica de las distintas artes.
FUERA DEL CUADRO: CINE, PALABRA E IMAGEN
EN LAS ARTES MODERNAS
Annalisa MIRIZIO (ed.)
(Madrid: Pigmalion Edipro, 2014, 217 pags.)
A veces es preciso salir fuera el cuadro y tomar distancia para ofrecer una mirada critica sobre la realidad. Tal es el proposito del volumen Fuera del cuadro: cine, palabra e imagen en las artes modernas (2014), que compendia una serie de estudios interartisticos realizados por los investigadores del grupo LITECOM (Literatura y Tecnologias de la Comunicacion), coordinado por don Jose Maria Paz Gago, con el fin de repensar el lugar de las distintas artes a partir de la emergencia de los multiples lenguajes visuales, hecho que enriquece el marco interpretativo y abre cauces hermeneuticos para reconsiderar los estudios literarios desde una perspectiva poliedrica, eclectica y multidisciplinar.
Desde una mirada estructural, la obra se articula en dos grandes bloques: debates iniciales y debates contemporaneos. En este sentido, Fuera del cuadro pauta su propio itinerario de lectura en una evolucion desde las primeras decadas del siglo XX, con la emergencia del cinematografo, pasando por la evolucion de los lenguajes visuales, hasta sus ultimas posibilidades que indicen en la plastica, la fotografia, la danza, el videoarte o la poeticidad cinematografica y su relacion con la palabra.
El primer ensayo (“Primeros debates sobre el cine: de la fotogenia a la cinematograficiedad”), a cargo de Annalisa Mirizio, ahonda en las fronteras del cine desde sus origenes, indagando en como el cine se fue desligando del teatro y de la fotografia, a la busqueda de una voluntad creadora que rebasara el estatuto de la referencialidad y la vocacion mimetica de la fotografia. Frente a las restricciones de otros lenguajes visuales, desde sus albores el cine se postulaba como “invencion de la mirada”, que diria Canudo, por sus excepcionales posibilidades para captar el movimiento (dynamis) y enfocar (mediante la angulacion de la camara) una realidad inusitada y sin registro previo, mas alla de la copia fotografica. Mirizio establece vinculos entre la Teoria Literaria y la Teoria Cinematografica, pues toda su investigacion recoge las ideas sugeridas por los grandes mentores del Formalismo Ruso (Tinianov, Sklovski o Eichenbaum) al calor de la Poetica Kino en las primeras decadas del siglo XX. Asi perfila una evolucion del cine como arte, a partir de los conceptos de fotogenia y cinematograficidad. En este sentido, ambos terminos apuntan hacia las posibilidades esteticas del septimo arte que, desde los inicios del siglo XX, estaba definiendo sus contornos y su singularidad. Estos rasgos de acuerdo con la fotogenia recaerian del lado del movimiento y las posibilidades tecnicas (con Epstein, Canudo o Delluc) y segun la cinematograficidad, se orientarian del lado del montaje en tanto articulacion expresiva de la nueva realidad filmada (con los formalistas rusos).
Virginia Trueba, autora del estudio “Cine y poesia en el pensamiento de Jean Epstein”, recorre la trayectoria cinematografica de Epstein, a partir del congreso que la Cinematheque Francais dedico a su figura, y cuyas aportaciones quedaron recogidas en Cineaste, poete, philosophe (1998), editado por Jacques Aumont. La tesis de Trueba vincula la concepcion cinematografica de Epstein con la poesia, a partir de detalles, e imagenes que configuran una “poetica del trazo”. De modo similar a la poesia vanguardista del siglo XX, Epstein niega el conocimiento objetivo de la realidad para orientar su estetica hacia la experiencia onirica y los estados de sueño. Si la poesia es el antidoto contra una racionalidad ferrea y reproductora de la realidad, el cine se alza como medio visual antimimetico, susceptible de plasmar estados de conciencia hacia un sublimacion irracional del arte. Por ello, la obra de Epstein destierra los modelos filosoficos sistematicos y racionales de Aristoteles o Descartes para postularse como filosofia del devenir y de lo mutable, desde Heraclito a Nietzsche.
Por su parte, en “Usos del cine en el Modernism: el realismo del registro inmediato”, Victor Escudero ahonda en la predileccion que los escritores del high modernism (James Joyce, Virginia Woolf o Dorothy Richardson) sintieron hacia el cine como estetica evocadora de relatos. Este afan por acercarse al medio filmico se vincula con la crisis del relato en el fin-de-siecle cuando afloro una nueva conciencia de la novela hacia los paisajes internos y subjetivos, en una ruptura con la estetica naturalista y la representacion realista, con tecnicas como el fluir de conciencia y su posible paralelo en el cine. El articulo recoge las aportaciones de Virginia Woolf en el manifiesto “The Cinema”, asi como los debates sobre la cinematicidad del fluir de conciencia, con series filmicas como Living Dublin (1903) en vinculo estrecho con la obra de Joyce.
En “La imagen y la vision”, Mercedes Coll ahonda en la figura de Rudolf Kurtz, autor de Expresionismo y cine (1926), obra olvidada pero en la que se vislumbran claras resonancias de los planteamientos de decadas posteriores sobre el cine expresionista con Lotte Eisner (La pantalla demoniaca, 1952) o Siegfried Kracauer (De caligari a Hitler: una historia psicologica del cine aleman, 1947). Como expresa Worringer sobre el pathos de la imagen, si con anterioridad al expresionismo existia una relacion armoniosa entre el interior del artista y su realidad exterior (Einfuhlung), el expresionismo ahondo en la postura contraria, en una profunda perturbacion y tendencia a la Abstraccion, que substituye el mundo de las formas naturales por un organicismo destructor del principio de armonia. En el lenguaje cinematografico se manifiesta esta concepcion en una artificial puesta en escena, el sentimiento freudiano de lo siniestro o el vinculo entre destino y contingencia.
Los debates contemporaneos se abren con el ensayo “Imagen, palabra y pensamiento: una vision historico-filosofica”, donde Casals revisita las reflexiones que desde los inicios del pensamiento occidental se han confinado al vinculo entre palabra e imagen. La piedra angular su estudio arraiga en la idea de que tras la desmitificacion del racionalismo metafisico, la comprension de la literatura y las artes visuales implico una inexorable caida del idealismo y de los fundamentos de totalidad y sustancialidad de la palabra como medio reproductor del universo visible. Puesto que la realidad no podia ser pensada como referencialidad inmediata, afloro una cierta desconfianza hacia la palabra y las artes visuales, comprendidas en terminos de simbolizacion imaginaria (el color en el cine o la polisemia en la musica).
El caracter innovador del estudio “Funciones del discurso verbal en la plastica contemporanea”, de Nora Catelli, estriba en su analisis sobre las “trampas” de la palabra en las artes contemporaneas. A proposito de los espectaculos de Pina Bausch, en los que la palabra se erige como codigo hermeneutico que acompana la significacion puramente visual, Catelli disecciona el lugar de la palabra o, mas bien, la insustituibilidad de la palabra, baliza senalizadora en los espectaculos visuales. .Gozan de identica autonomia los codigos verbales y los codigos visuales? .Por que se ha puesto bajo sospecha la palabra si, en los espectaculos audiovisuales, se ha convertido en verdadera marca discursiva, condicionante de la interpretacion? .Puede desplazarse la palabra a un lugar subsidiario y auxiliar, en tanto discurso paratextual, que diria Genette? El desafio actual radica en la restitucion del lugar de la palabra en el hiato entre lo visual y lo verbal, en la sociedad postmoderna que ha confinado la palabra a un limbo de irrealidad. Catelli ejemplifica con las fotografias de Richard Billingham y su “yo” mortificado, a partir de la negacion del artista a explicar con palabras esos artefactos visuales.
La investigacion realizada por Edgardo Dobry (“El suburbio, la zanja: donde la poesia mira y el cine muestra”) ahonda en las similitudes entre la poesia y el cine argentinos a finales del siglo XX. Para Dobry, es posible entender un objetivismo comun a ambas artes: registro de lengua coloquial y vulgar, destierro de la poesia culta del barroco de Indias o reflejo de una realidad local. Este objetivismo poetico (Garcia Helder u Oscar Taborda) sintonizo con el llamado “nuevo cine argentino” con filmes como Los rubios (2003) de Albertina Carri o Un oso rojo (2002) de Adrian Caetano, donde tambien aflora la realidad en toda su crudeza.
En el estudio que cierra este volumen (“Sophie Calle: de la puesta en escena a la mise en intrigue en las artes visuales”), Paula Juanpere ofrece una alternativa a la perdida de la narratividad inherente al ocaso de grandes relatos y propone superar la performance y el happening, esto es, la inmediatez presente de la narracion a traves de relatos que evoquen el pasado. A partir de la obra de la artista francesa judia Sophie Calle, Juanpere analiza esa incorporacion de la memoria como recapitulacion a traves del espacio arquitectonico, en una narratividad que radica en la disposicion y puesta en escena de las obras, creando una mise en intrigue que presenta la accion a traves de la mirada, en obras como L’Hotel o Le faux marriage.
En suma, Fuera del cuadro traza distintas conexiones y puntos de encuentro entre diversas manifestaciones artistico-culturales, con el fin de mostrar una realidad abarcadora y una concepcion poliedrica de las distintas artes.
Carmen Maria Lopez Lopez
(*) Universidad de Murcia
FUENTE: UNED Revista Signa 25 (2016), pags. 1229-1232
